La Chiesa di Sant'Agostino è una delle strutture religiose più imponenti di Piacenza. Il suo impianto architettonico comprende cinque navate, un transetto a tre navate e un'area presbiteriale con ambulacro. Si tratta di una tela impegnativa per qualsiasi tipo di intervento architettonico, anche se temporaneo ed effimero. Confrontarsi con un edificio così sacro suscita naturalmente una certa trepidazione, soprattutto se si considera il suo significato storico e la sua meticolosa progettazione tipologica. Tuttavia, lavorare con una struttura del genere stimola riflessioni che possono avviare discussioni più ampie sulla natura degli interventi nel nostro patrimonio architettonico.

La chiesa è un esempio di come un edificio progettato per rimanere in piedi per l'eternità possa avere molteplici vite, essere riutilizzato in molti modi ed essere effettivamente sostenibile grazie alla sua longevità e adattabilità. Iniziata nel 1570 e consacrata nel 1573, verso la fine del XVIII secolo fungeva da ospedale militare. Nel secolo successivo divenne parte integrante della caserma del Generale Cantore e subì danni durante la Seconda Guerra Mondiale. Oggi ospita la galleria permanente Volumnia, che comprende un ristorante nei suoi annessi, e ospita biennalmente la mostra DucatoPrize. In sostanza, è un'eccezionale testimonianza della sua capacità di accogliere il cambiamento in modo armonioso, senza sacrificare il suo carattere intrinseco.

Un altro aspetto intrigante che emerge visitando la chiesa è la decapitazione di tutte le sue statue da parte delle truppe napoleoniche durante l'invasione francese del 1796, un affronto deliberato alle istituzioni ecclesiastiche. Si tratta di una sorta di annullamento della cultura ante litteram che, come ha sostenuto Michele Serra in una delle sue rubriche “Amache” per il quotidiano Repubblica del 31 dicembre 2021: “Ha involontariamente elevato il luogo di culto ordinario e di ordinaria bellezza ad altezze solenni e drammatiche. [...] Le statue senza testa si profilano come una folla di testimoni (martiri) della violenza ideologica di ogni epoca, rendendo il luogo magnifico anche sulla scia di quella sinistra manipolazione”.

Considerazioni tipologiche, curiosità storiche e generosità spaziale rappresentano i migliori risultati che si possano prevedere da un incarico professionale. Nel nostro caso, la complessità deriva dal compito di ospitare una mostra d'arte contemporanea con dieci installazioni diverse - tra cui installazioni spaziali, pittoriche, sonore, proiezioni video e sculture - suddivise in due categorie di concorso. Nel tentativo di suggerire un percorso strutturato, pur preservando l'individualità di ogni opera, abbiamo scelto deliberatamente di limitare l'accesso alla navata centrale, incoraggiando i visitatori a percorrere la periferia della chiesa lungo le navate laterali e il transetto. Questa compressione spaziale sui lati e l'esclusione del volume centrale - inaccessibile e visibile solo dal retro del transetto - alterano momentaneamente il flusso e la percezione spaziale dell'ambiente interno. Questo approccio cerca di stabilire una dimensione di dialogo e interazione tra la mostra e gli elementi decorativi esistenti, senza che nessuno dei due prevalga sull'altro.

L'installazione fissa un orizzonte interno a circa tre metri e mezzo di altezza, abbassando la prospettiva dello spettatore e allineando la scala umana delle opere d'arte con quella della chiesa monumentale. Per ottenere questo effetto, abbiamo utilizzato solo due materiali: una pellicola elastica in polietilene, una pellicola da imballaggio bianca, e blocchi di cemento cellulare leggero. Utilizzando le colonne e i pilastri come punti di ancoraggio, abbiamo usato la pellicola per racchiudere gli spazi inutilizzati, creando dieci stanze tra le navate per ospitare le opere d'arte. Quando necessario, i blocchi sono stati assemblati in plinti, piattaforme, partizioni monomateriche e stereometriche per sostenere le opere d'arte. La scelta dei materiali è stata dettata da molteplici considerazioni, tra cui quelle relative all'esposizione e alla sostenibilità. La preparazione della mostra ha richiesto solo cinque giorni lavorativi con l'assistenza di due installatori specializzati. Durante la fase di smontaggio, saranno sufficienti due giorni per recuperare la pellicola, smontare le strutture a blocchi e restituirle al produttore. Entrambi i materiali saranno completamente riciclati e reintegrati nel ciclo produttivo alla fine del loro ciclo di vita.

Per molto tempo la museologia si è confrontata con l'approccio migliore per esporre le opere d'arte all'interno degli spazi museali. Per secoli, gli architetti hanno preferito creare “scatole bianche”, spazi immacolati con pareti neutre e illuminazione zenitale diffusa. Negli ultimi decenni si è cercato di mettere in discussione questo modello, spesso riflettendo la frustrazione degli architetti per i limiti percepiti di non avere completa libertà di progettazione e l'incapacità di infondere sufficiente “creatività” nei loro progetti. Come spesso accade, la verità sta nel mezzo e non sempre si allinea con le ultime tendenze. Secondo la nostra esperienza, gli artisti di solito apprezzano un certo livello di isolamento dall'ambiente circostante, indipendentemente dallo spazio espositivo. Tuttavia, la completa immersione in un vuoto incontaminato può essere sconcertante. La nostra ricerca di equilibrio, unita all'aspirazione di incoraggiare una percezione più intima dello spazio sacro e delle opere esposte, è alla base di questo progetto. Ci auguriamo che esso riaffermi l'idea che essere leggeri non equivale a essere inconsistenti e che risultati significativi possono derivare da mezzi modesti.